A French translation comes after the following English one.

 

A Scene where Nature Meets Mind

 

   Artist Jongsuk Lee tells in the foreword at her solo exhibition in 2018, “My work starts from the nature.  Through this I travel on my endless life journey.”  Every moment of encountering the nature is a moment to reflect her own life and this experience enables her to encounter the pure truth which moves her and to discover from this finding the energy for earnest life.  In an interview, she explains, “The driving source of my work can be said as a process of overcoming myself in communion with the nature.  I use circles to represent the efforts and force to reflect myself over the various aspects of the nature and to sublimate to a better self.”  Hence, paintings of the nature she draws is the scene of her inner self which she finds; the sensation she felt from the nature is that of what she receives while overcoming various conflicts and pains in life.  This sensation is the energy for her to be a living being.

 

   Then, at which point do scenes of the nature she sees and scenes of her inner self meet and connect with each other?  At which point does the artist sauntering around the nature enter into her inner scene and encounter the moment of pure truth in which she experiences life sensation and receives the life energy?

 

   The nature scenes she sees are open plains, mountains, a sea with mysterious spectacles of waves, and the festivity of seasonal colors.  Such nature could look magnificent and awe-inviting, but what she draws displays animated movement nestled in gentleness and peacefulness.  This should be because, instead of the outer aspects of the scene itself, she rather focuses on the nature’s inner scene which generates the outer look.   I think this is where the mind of the artist and the nature’s scene meets with each other.

 

   All the works of her nature scenes focus on their inner side of them.  The attributes of them are such that in general there are a number of images of large and small circles in the center and a number of small points arranged in a systematic pattern sturdily encompassing these circles.  Various circle images at the center look like life beings safely enclosed in a cloistered area.  Their warm and reddish color images, stronger than those of their surroundings, enliven the overall scene which should look dull otherwise.   Liveliness of the center images creates the overall scene which sometimes creates a scene of monotonic grayish color pressing forward into the center image by the surrounding images, sometimes creates  a scene of dynamic of transitioning of such grayish color into peaceful, balanced, bright color and spreading such transitions in all surrounding directions.  Overall, the whole layout, the domain of life which no one can invade and that of objects which threaten such life being orderly positioned among themselves, reacting against the movement of the life at the center, exposing lively smooth and various colors, creates the beautiful image of the whole scene.  The artist expresses this scene as ‘Happiness.’ (Landscape-Happiness I, II)

 

   From this perspective, the artist seems like aiming a scene of ‘an order of creation which is very good to look.’   Undoubtedly, it is out of question that it is not an order of uniformity which excludes others.  The order she aims is a creation order which preserves life and tries its complete manifestation.  The reason that the nature, which looks threatening and unstable not infrequently, seems stable and peaceful is because the nature possesses such cloistering power that protects and preserves life from any intrusion.   Thanks to such cloistered area, life is always brought about and creates scenes which transform its surroundings.  We meet these scenes in many of the artist’s works.  Obviously, there are scenes which do not represent such life protecting area.   However, these appear when straight lines or images of angled figures are embedded into the image of peaceful and animated figures (Landscape I, II) or when the uniform order of images are assimilated into the flow of peaceful waves (Landscape VII, VIII).  Hence, scenes which could look dull or even unstable instead present feeling of peaceful movement like dreamlike dizziness or spiraling spring haze (Landscape-Vital movement I, II, III). Life is the world of life itself which, instead of having to be preserved in a protected area, can be released from protection. 

 

   In this, the scene of embracing life with care and preserving it, in other words, the nature scene where the life grows and transforms its surroundings meets the artist’s inner self and they recognize each other.  It is not simply recognizing the feeling of the inner self which senses the seasonal change; it is an encounter of the life which one should preserve with care from the life which the nature preserves and takes care of.  It is listening to the voice of how the life opens the way to self-overcome.   Hence, the strength which keeps the nature living is life, and by preserving life one can realize the living nature and the creation order which is good to look.   The artist discovers that the essence of this life which makes the nature scene living heals and grows her and that ‘the creation order which is good to look’ which makes life living is what is recovered from her inner self.

 

   This realization is well expressed in the tomato series in which tomatoes are growing in the barren wasteland covered with black basalt and red volcanic ashes.  In these works, again, the artist connects the outer scenes of tomatoes and its inner scenes.  The life of tomatoes is represented in a red colored circular image at the center, surrounded all around by threateningly imposing ‘sturdy and well ordered grayish small images.’ (Red Tomato of Iceland II).  Like a cloistered monastery which is closed from the outside world to avoid being sunk into the secular world, while its door is still open to the world at the same time, it is an attempt to create a cloistered area of life within itself so that it may breed life that gives life to the world.  This growing of life is expressed as an image in which the color of surroundings of the red circle at the center changes brightly (Red Tomato of Iceland IV).  When the life grows to its fullness it is expressed in the mixture of circles and curved lines which spreads to all around its surroundings representing a scene of changing the world. (Red Tomato II series of Iceland)  Vividly colored tomatoes grow from a barren wasteland like a ‘sot-dae’ (which is a Korean word for a long pole erected at the entrance of a village as a symbol of a prayer for a good harvest.), invoking hope from despair.

 

   This is the scene drawn by the artist Jongsuk Lee to represent her inner state whose life journey is a procession of self-overcome with feelings excommunicated with the nature through the nature.   The growth of life spreading its light outwards, destroying its sturdy outer boundaries; the order of a matured life settled over a long period through moderation; the desire for creation with uncontrollable instinct of liberated life; these are the realization the artist reaches while earnestly painting landscape.  Isn’t this the pure truth that the artist receives life sensation and energy when she enters into her inner landscape after sauntering around the outside landscape?  Perhaps when she said that she does her work with a hope that through her works people may ‘get consoled and find happiness,’ this may come from the same cause.

Kwangyong Lee (Poet / Ph.D. in Literature / Professor of Suwon Women’s University)

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Des paysages où la nature et le cœur se rencontrent

 

   Dans la préface d’une exposition individuelle en 2018, l’artiste Lee Jongsuk a déclaré : « Mes œuvres partent de la nature. Et ma vie n’est qu’un voyage infini au sein de la nature ». Chacun des instants où nous nous approchons de la nature est un moment où nous pouvons revenir en arrière et nous approcher de notre propre vie ; un moment qui nous met face à face avec une vérité pure et chargée d’émotions, et qui nous fait découvrir l’énergie de la vraie vie. Dans une interview, l’artiste a expliqué : « On peut dire que mes œuvres naissent d’un processus de symbiose avec la nature, qui m’apprend à me surmonter-moi même. La nature, dans tous ses divers aspects, est un reflet de ma propre image : je me suis servi de la forme du cercle pour représenter tous mes efforts et mon énergie qui se subliment dans une bonne direction ». Ainsi, les paysages naturels que l’artiste dessine sont à l’image des paysages qu’il rencontre à l’intérieur de lui-même, et les émotions que nous ressentons face à la nature sont comme une énergie vitale qui nous anime, qui est le fruit de toutes les formes de conflit et de douleur que nous avons appris à surmonter tout au long de notre vie.

 

   Mais quel est exactement le point de rencontre entre les paysages naturels que l’artiste observe, et les paysages internes qu’il trouve en lui-même ? À quel moment l’artiste quitte-t-il les paysages extérieurs qu’il arpente, pour entrer dans des paysages intérieurs et faire l’expérience d’instants de pure vérité, chargés d’énergie et d’émotions vitales ?

 

   Lee Jongsuk s’intéresse particulièrement aux immenses paysages naturels de plaines et de montagnes, à la mer mêlée de scènes mystérieuses, et aux festins de couleur qui se déploient avec chaque saison. La nature est parfois somptueuse et digne de crainte, mais les paysages qu’il dessine sont emprunts d’une vivacité emplie de douceur et de quiétude. C’est sans doute parce qu’il s’intéresse aux paysages intérieurs de la nature, plutôt qu’aux paysages visibles extérieurement, qui en sont la manifestation. Pour ma part, je considère que c’est précisément là que se trouve le point de rencontre entre le cœur de l’artiste et la nature.

 

   Les séries de paysages que l’artiste a réalisées s’attachent à représenter la face intérieure des paysages. Cette dernière est matérialisée à travers des formes circulaires de diverses tailles, qui se situent à peu près au milieu de l’œuvre, et qui sont encerclées par des séries de petits points ordonnés. Les diverses formes circulaires qui se trouvent au milieu de l’œuvre sont semblables à des êtres vivants protégés dans l’enceinte d’une zone d’accès restreint. Ces formes circulaires sont dotées de teintes chaudes et intenses en comparaison avec les couleurs qui les entourent : ce sont elles qui rendent vivants ces paysages, qui paraissent sinon monotones dans leur ensemble. Les points qui cernent ces cercles sont d’une couleur cendre monotone, bien qu’ils se transforment par moments en couleurs claires, paisibles et stables. Si ce paysage fuse de tous côtés, c’est parce que les formes du centre sont vivantes. De manière générale, les régions impénétrables de la vie et tout ce qui la met en danger est pris dans une structure ordonnée, et affecté par le mouvement de la vie qui se trouve en son centre. C’est de là que vient le surgissement de couleurs diverses et douces, qui dessinent un paysage beau dans son ensemble. L’artiste désigne cela sous le terme de « bonheur » (Landscape-happiness I, II).

 

   Il semblerait donc que l’artiste aspire à des paysages emprunts d’un « ordre de la création belle à voir ». Bien entendu, ce n’est pas un ordre qui pousse à l’uniformité, et à l’exclusion de quoi que ce soit. L’ordre qu’il poursuit est un ordre créateur qui préserve la vie et qui a pour but d’en révéler la forme intacte. Si la nature, qui semble parfois menaçante et inquiétante, a encore l’air sûre et paisible, c’est bien parce qu’elle possède une force de barrage qui protège la vie et empêche les intrusions. Cette zone d’accès restreint crée des paysages qui permettent à la vie de perdurer toujours, et de métamorphoser ce qui l’entoure. Nous retrouvons des paysages de ce genre dans beaucoup d’œuvres de l’artiste. Bien sûr, tous les paysages n’expriment pas forcément l’idée d’une zone de protection de la vie. Mais les lignes droites ou les formes angulaires s’incorporent alors dans d’autres formes douces et animées (Landscape I, II), ou c’est l’occasion pour des figures uniformisées de se laisser emporter par un flux d’ondes paisibles (Landscape VII, VIII). Ainsi, certains paysages qui peuvent donner l’impression d’être mornes ou déstabilisants procurent en réalité un étourdissement pareil aux rêves, ou une animation paisible qui s’élève comme une brume de chaleur au printemps (Landscape-vital movement I, II, III). C’est bien parce que la vie n’a pas forcément besoin d’être protégée au sein d’une zone d’accès restreint : même si l’on lève l’interdiction d’accès, le monde de la vie et sa beauté subsistent en tant que tels.

 

   Il se produit alors une rencontre entre l’intériorité de l’artiste et les paysages de la nature qui chérit la vie, la protège, et lui permet de transformer le monde qui l’entoure. Il ne s’agit pas simplement pour l’artiste de reconnaître ses émotions intérieures et la façon dont elles sont influencées par le changement de saisons, mais de découvrir, au sein de la vie que la nature protège si précieusement, quelle partie de cette vie nous devons protéger nous aussi. Il s’agit de comprendre comment la vie nous ouvre un chemin pour nous surmonter nous-mêmes. Ainsi, la force qui anime la nature, c’est la vie. Il faut protéger cette vie pour permettre à la nature de subsister, et pour atteindre l’ordre de la création belle à voir. L’artiste laisse cette essence de la vie, celle-là même qui anime les paysages de la nature, le guérir et le faire grandir : il découvre alors que cet ordre de la création belle à voir, qui fait subvenir la vie, émane de sa propre intériorité.

 

   Cette révélation est particulièrement flagrante dans la série de paysages de tomates, qui poussent sur un sol aride, recouvert de basalte noir ou de lave rouge. Ici encore, l’artiste tisse des liens entre le paysage extérieur et le paysage intérieur des tomates. La vie des tomates est exprimée à travers des formes rondes aux teintes rouges, situées au milieu de la toile et entourées par de « petites formes de couleur cendre, ordonnées et inébranlables », qui les oppriment de toutes parts, d’une manière agressive (Tomates rouges d’Islande II). À la manière d’un monastère, qui est ouvert vers le monde, mais qui se barricade de son propre chef pour ne pas être écrasé par le monde, je construis en mon for intérieur une zone d’accès restreint pour la vie, et, au sein de ce havre, je fais grandir la vie qui anime le monde. Cette croissance de la vie est visible dans les formes qui entourent les cercles rouges du centre et se changent en couleurs vives partant dans toutes les directions (Tomates rouges d’Islande IV), ou dans la façon dont, quand la vie a bien grandi et qu’elle est arrivée à maturité, les cercles et les courbes fusionnent et se répandent dans toutes les directions pour transformer le monde (Série des Tomates rouges d’Islande II). La couleur des tomates qui ressort sur cette terre aride est comme un mat planté sur le sol, qui transforme le désespoir en espoir.

 

   Voilà le paysage intérieur dessiné par l’artiste Lee Jongsuk, dans lequel il a longtemps voyagé pour se surmonter lui-même en entrant en communion avec la nature. La vie croît et répand de la lumière en abattant des frontières inébranlables, un ordre se met lentement en place, grâce à la vie sobre et mûre. Mais l’artiste n’a pas voulu laisser s’échapper ce désir de création à l’irréfrénable instinct de vie et de liberté : c’est sa sincérité qui lui a permis de faire cette révélation en peignant ses paysages. Est-ce là cette vérité pure que l’artiste a découverte en parcourant les paysages extérieurs pour entrer dans les paysages intérieurs, et qui lui procure énergie et émotions vitales ? C’est sans doute de là que viennent les paroles de l’artiste, lorsqu’il dit souhaiter que ceux qui voient ses œuvres « reçoivent une forme de consolation, et que leur cœur soit empli de bonheur ».

 

Kwangyong Lee (Poète / docteur ès Lettres / professeur à l’Université pour Femmes de Suwon)